Angoulême

Phèdre amoureuse d’Hippolyte, fils de son époux Thésée qu’elle croit mort, déclenche autour d’elle un séisme. Racine, auteur de cette tragédie mythique, plonge avec virtuosité dans les dédales magnifiques de la passion.
Racine est un génie. Un orfèvre de la langue qui sculpte le sentiment à coups d’alexandrins majestueusement déployés. Pour tous les acteurs de théâtre, jouer Phèdre est un rêve, un fantasme et même un impératif. Ils savent bien que, de cette tragédie, personne ne sortira indemne. Les comédiens sont métamorphosés par la beauté d’une écriture qui leur passe par le corps. Les spectateurs sont bouleversés par cet amour qui se vit à perdre haleine dans le clair-obscur d’une scène irisée à la manière d’une toile du peintre Mark Rothko. Le déchaînement des passions des personnages est prenant. Passion coupable de Phèdre pour son beau-fils Hippolyte. Passion aveugle de Thésée pour sa femme quand, revenu vivant de la guerre, il choisit de bannir son fils innocent. Passion fougueuse d’Hippolyte pour Aricie, la fille de l’ennemi qu’il n’a pas le droit d’épouser.

Entrecroisement d’amours qui butent sur l’impossible, ce ballet fascinant est mis en scène par une grande dame du vers racinien : Brigitte Jaques-Wajeman, spécialiste incontestée du XVIIe siècle théâtral, qui sait mener ses interprètes vers des sommets de sensualité. Une merveille.

Une plongée dans l’intimité d’une jeune fille, les fantasmes provoqués par un corps qui s’éveille, et cette question essentielle du consentement. Comment dire non ?
Une interrogation bien actuelle qui s’accompagne en filigrane de celle de la complicité des adultes.

Arthur Schnitzler écrit en 1924 Mademoiselle Else, un monologue intérieur qui voyage au cœur des pensées les plus intimes d’une jeune fille de dix-sept ans. Cette œuvre, d’une grande modernité dans le fond et la forme, surprend par la pertinence de son propos.

Else est belle, intelligente et fière. Profitant de la douceur des jours d’été, elle ignore que ses parents vont lui demander l’impossible : solliciter un ami de la famille, pour sauver son père d’une mauvaise affaire financière. En contrepartie, la vision, quelques minutes, de son corps dénudé. L’honneur de la famille dépend d’elle, de son dévouement, de son acceptation.

Petit Chaperon rouge moderne, ce spectacle est écrit comme un conte puissant et poétique. Raconter Else est une vraie nécessité pour la jeune metteuse en scène Marion Conejero qui souhaite faire résonner cette œuvre auprès de la jeunesse d’aujourd’hui afin d’éveiller les consciences et leur donner des armes dans une société où tout s’achète, y compris le corps d’une jeune fille.

Parce que les temps ne changent pas assez, Else(s) ouvre le débat nécessaire du corps féminin traité comme un objet et des rapports de domination masculine. Et, sur cette question, nous sommes toutes Else(s) !

Deux performeurs de l’impossible se livrent à une suite de scènes jonglées à l’aveugle. Un cabaret jouissif, où l’imprévu a le premier rôle. Drôle et virtuose.
Irrésistiblement absurde. C’est ce que l’on se dit quand on voit ce duo de circassiens belges lancés dans des défis plus improbables les uns que les autres. Faire swinguer des assiettes au bout de tiges, élaborer un fragile édifice de briques et de verres avec des gants de boxe, tout ça avec un seau sur la tête, la gageure pourrait sembler irrémédiablement vouée à l’échec. Et pourtant… Le jeu de massacre annoncé se transforme en un match pugnace défiant les lois de la physique, sous les yeux d’un public en tension, participatif et rieur.

En 1987, les artistes suisses Fischli et Weiss réalisaient un film expérimental dans lequel des objets disposés les uns à la suite des autres interagissaient en chaîne sur une seule impulsion, dans une sorte d’effet domino. Le titre du film était Der Lauf der Dinge (« le cours des choses » en allemand). « Notre intention est à l’opposé de cette vision déterministe du monde », affirme Guy Waerenburgh, initiateur du spectacle, qui a plutôt souhaité montrer que nos plans sont toujours contrariés par une multitude de hasards et de micro-événements. Avec eux, si la catastrophe est toujours attendue (et beaucoup de vaisselle cassée), le pire n’est jamais certain !


Durée : 55 minutes

Un talentueux trio de musiciens-comédiens dépoussière le célèbre conte d’Andersen et entraîne petits et grands dans une plongée sonore et poétique peuplée de malicieux personnages.
Trois artistes, trois chaises et une quinzaine d’instruments : voici la marque de fabrique du Collectif Ubique. Le trio manie mots et instruments avec gourmandise ; la réécriture maline et inattendue du texte orignel oscille entre prose et poésie dans un ping-pong très rythmé ; et les compositions virevoltent entre différents styles, alternant violon, théorbe, harmonica, cornemuse, xylophones et bâton de pluie.

Après Grimm et Perrault, Ubique clôt sa trilogie de contes avec La Petite Sirène d’Andersen et nous emmène cette fois à la découverte du monde des océans et des fonds sous-marins. Si la trame de l’histoire est bien conservée, elle est astucieusement enrichie par l’invention de nouveaux personnages tels que d’adorables grands-parents laxistes, une poissonnière désabusée qui prône le célibat, et surtout une petite sirène qui, loin d’être une ondine rêveuse et amoureuse, désire avant tout devenir capitaine de bateau. Une version où le merveilleux cohabite avec la gravité et les alexandrins avec le langage d’aujourd’hui. Ici, ce sont le plaisir du jeu et celui des mots répétés, rimés, rythmés, mêlés à la partition originale qui charment et captivent. Et l’étonnant trio, qui bouscule joyeusement les codes du conte, fait surgir tout un monde et met un point d’honneur à s’adresser à toutes et à tous avec malice.

Du grand roman d’aventures d’Alexandre Dumas, Nicolas Bonneau et Fanny Chériaux tirent un récit-concert au suspense haletant et à l’ambiance rock, digne des meilleures séries d’aujourd’hui.
Depuis près de vingt ans, le comédien-conteur Nicolas Bonneau a coutume d’imaginer des récits nourris de réel, qui « résonnent dans la sphère politique, sociale ou humaine ». Ce choix de s’attaquer au monumental Comte de Monte-Cristo d’Alexandre Dumas, emblème du feuilleton populaire, est donc un pas de côté qui lui permet de retrouver le pur plaisir d’une plongée dans la fiction. Souvenez-vous, le roman de Dumas raconte l’histoire d’Edmond Dantès, jeune marin flamboyant, emprisonné à tort pendant quatorze ans, qui entreprend de se venger méthodiquement de ceux qui l’ont trahi. Mais Nicolas Bonneau ne lâche pas si facilement ses obsessions et y voit davantage qu’un récit d’aventure. « Il y a aussi dans Le Comte de Monte-Cristo un esprit de revanche sur la naissance du capitalisme qui résonne avec notre monde actuel », explique-t-il. Ainsi, à l’aube de ce XIXe siècle qui consacre l’argent roi, Dantès, pourvu d’une fortune toute neuve et d’un titre de comte, va pouvoir faire tomber un à un ses ennemis. Dans ce récit-concert qui nous saisit la main pour ne plus la lâcher, le narrateur – Nicolas Bonneau lui-même – est accompagné avec talent et facétie par la voix et les instruments de Fanny Chériaux et Mathias Castagné. Envolées lyriques dignes d’un western, bruitages, mots scandés, riffs de guitare, ambiance cabaret… la partition, multiple et immersive, plonge le spectateur au cœur de l’action. Un régal.